De acordo com o texto “Corpo, percepção e valor no pensamento curatorial contemporâneo” publicado na Revista Novos Olhares, por Vidal Junior:

Os ensaios que compõem o volume Inside the white cube: the ideology of the gallery space, de Brian O’Doherty (2012), tornaram-se referências fundamentais na literatura contemporânea sobre artes visuais…

Os ensaios de O’Doherty debruçam-se sobre uma configuração espacial específica, que se tornou hegemônica nas exposições de arte moderna e contemporânea e dá título ao seu livro: o cubo branco. A galeria de arte tem seu espaço descrito pelo autor nos seguintes termos:

“Uma galeria é construída baseada em leis rigorosas, como aquelas que orientavam a edificação de uma igreja medieval. Porque o mundo externo deve permanecer fora, em geral as janelas são seladas; as paredes são pintadas de branco; o teto torna-se fonte de luz. O piso de madeira é tão polido que percebe-se distintamente os rumores dos passos, ou é coberto por um tapete que amortece aquele som, permitindo pousar os pés enquanto os olhos tomam de assalto a parede.”(O’DOHERTY)

Ao pensarmos na cronologia que marca o desenvolvimento do cubo branco como forma hegemônica de expor e de ver obras de arte, podemos observar que ela é em larga medida contemporânea do processo de desenvolvimento urbano que culmina nas grandes cidades modernas. No que concerne às imagens, o desenvolvimento urbano e comercial, contemporâneo do desenvolvimento de tecnologias de produção e reprodução de imagens e do campo da publicidade, que então se profissionalizava, culmina na configuração de novos ambientes visuais, como o que podemos observar em grandes avenidas comerciais — dentre as quais, a Times Square em Nova York segue sendo paradigmática (Figura abaixo) — que se assemelham enormemente, com sua profusão de anúncios publicitários, aos já referidos salões de arte, que vigoraram como modelo de exposição de arte até o início do século XX.

Uma questão que nos parece fundamental, portanto, emerge da complexidade do ecossistema mediático moderno, no qual a imagem reprodutível espraia-se sobre as urbes como uma segunda pele. Neste contexto, um ponto importante parece ter sido negligenciado por grande parte dos estudos que investiram no campo das exposições artísticas, isolando a imagem da arte das demais imagens do mundo: a descontextualização das obras de arte de seu entorno sociocultural e a sublimação da corporalidade talvez sejam efeitos colaterais do cubo branco, e não seus objetivos primordiais. O desenvolvimento do cubo branco parece comprometido com um desejo de chancelar, em meio à profusão das imagens mediáticas, algumas imagens como sendo dignas de uma percepção de tipo bem específico, protegendo as imagens artísticas dos famintos ambientes mediáticos.

Ao ler essa última frase do artigo do Ícaro, me vem em partes a resposta que muitos artistas urbanos buscam: é no desejo de distinção e de segregação que arte perpetua que está a impossibilidade de borrar essas barreiras entre a arte contemporânea e a arte pública, pois ao propor o encontro imediato e sem distinção com as pessoas a arte publica fica imediatamente barrada de entrar no que ouso dizer ser a mais importante espaço da arte contemporânea que é o Cubo Branco, pois a ela pertence a rua, aquele espaço que o cubo branco busca se distanciar.

Agora fica a pergunta, porque artistas urbanos que buscaram na rua um espaço e uma possibilidade de ter seus trabalhos expostos e “consumidos” querem tanto estar nessa “instituição” que por principio em nada dialoga com seus trabalhos?